會點開這篇文章的你，肯定是想要在長笛技藝上追求極致，講求省時又有效的練習，因此我將在這篇文章中提供我所觀察到的細節，綜合我的實際教學及演奏經驗，把提高練琴效率的重點告訴你，讓你每次練習都能高效練習，事半功倍！
大家如果有看過漫畫『東大特訓班』，就可以知道策略性的唸書，是可以大大提高知識吸收的效率，更迅速地獲得解題、找到答案的辦法；對於練琴來說，就是更能專注在重點的練習，每次練習一開始都能清楚抓到今日練習的重點，進而達到迅速且精準地抓出缺點，並立即制訂改進的策略，迅速校正錯誤，並且記住改正後的答案，避免重複練習。
以下，我會就我觀察到的點，來建議提升練習效率的方法，這些觀點都是我的個人經驗所得，你可以相信照著練習，也可以詢問自己的專業老師尋求建議，同樣，也可以思考對你的練習有什麼幫助，學會思考和解構與重組，才是提升練習效率最大的幕後推手。
比賽評分的重點，就是練習的重點
我們都知道學音樂並不只是為了比賽，不過現實面是，試想你現在打開YouTube或Spotify，搜尋你正在練習的曲目，你第一個會想看
❶ 獲大賽首獎的人拉琴？
❷ 觀看次數、按讚數高的影片演奏？
❸ 你熟悉的演奏家演奏？
❹ 還是網路上不知名的某個人的影片演奏？
你肯定會想選❶❷❸類型吧！究竟❶❷❸是怎麼詮釋他的音樂，是怎麼準備比賽，是怎麼成為現在那個明星，和為什麼 他的琴 / 他的笛 聽起來這麼好聽吧？
為什麼提高練琴效率的方法，要提到比賽？
因為我們所關注的大賽冠軍，其實都有一個演奏的 standard（標準線），俗稱「基礎」、「基準」，評審們除了廣義的音樂性之外，還有在達到演奏家水準之前的「基準」、「標準」判定，只要你懂得這些「基準」在哪，練習就能事半功倍。
基準 Standards
為什麼這麼說呢？「基準」就像爵士樂的「Standard’s List」，如果你不懂什麼是 Jazz Standards，你根本沒辦法真正的理解爵士，無法跟真正的爵士人溝通，爵士演奏中無法溝通，聽不懂standards，對於演奏家和聽者雙方來說，跟毀了一場演出沒兩樣嘛！
我們先不說國際大賽，因為那離大多數的我們來說都太遙不可及，練琴很重要的第一件事是：具備認清事實的勇氣。先從看得見的的東西下手，也是我們成功達到練習目的，事半功倍的開始！
掌握三個音域的音色
「音色」這個概念對很多人來說，還是一個比較模糊的定義；
然而，不管你的老師是否曾經告訴過你「音色不重要」，你都必須自己去思考，甚至問清楚「不重要」指的是思維上的不重要，還是實際上的不重要（兩者是有顯著差異的，講下去會變成一篇篇幅不短的新文章，在這我就先省略不談）。
以我自己為例，我就曾經是「音色不重要」這個建言的受害者。
「音色」由始至終都是第一個需要考慮到的重要角色。
而「音色」的廣義定義是：
”在長笛的完整三個音域上，都有平均的表現；也就是說，低音吹得扎實、聽得見，中音域不會 氣聲 > 實聲 ，高音支撐力夠好不會掉下來。“
在這個概念上，從一開始學習就帶入練習，可以省下至少10年反覆修正音色的時間；反觀我自己以前的音色，活該自己在很多場域都不吃香，我太晚領悟這個道理，到了職場上才真正在音色上下手修煉，雖然也不晚，現在一樣可以把長笛發揮得淋漓盡致，但總是浪費了很多寶貴的學生時代的練習時間。
所以，千萬別忘了第一個標準：「音色」的練習，它將是你用來感動評審的聲音，別忘了21世紀所有人都是評審，你感動得了評審就足以觸動觀眾的心，吸引目光的眼睛，「音色」可以說是長笛演奏第一個吸引人的原因，也是最重要的原因之一。
練習的方法有很多種，所以在這裡我就不贅述該如何練習，只提供在這三個音域你應該要達成什麼目標的建議，可以直接請教各位的老師，詢問他們的意見請老師直接開給你練習配方，若你沒有特定的指導老師，也可以 私訊我，幫您找到最適合你的練習方式和最佳練習成果。
音色在不同音域該有的最基本的表現，三者的重要性大致可以這樣區分：低音 > 高音 > 中音
低音
低音扎實有力度，尤其C1、C#1、D1這三顆音的音量和音質的呈現上，一定要足以讓台下的評審和觀眾聽得見的程度，並且在大跳下來，和維持低音長音的片段，都要有穩定的音質、聲量和展現；
低音域，是最常讓評審發難的話題，低音表現不佳，說真的代表的是程度不足，我就曾經深受其害，被知名教授說需要從零開始學起，所以無論如何，先搞定低音，剩下的都好說
高音
高音就是第二個會被評審詬病的對象了，大部分的人並不太注重高音的練習，但高音在所有比賽曲當中（尤其台灣）非常非常的重要，如果你的高音沒有「亮度」、「穿透力」和「順暢感」，就不會有吸引力；
而在絕大部分的曲目中，拉長音的高音又是最常出現的寫法，學會如何不耗過多力氣、維持音量的情況下，還能把該有的長度做完整，就是每個人都必須優先克服的課題
中音
有很多人在學習過程中沒有將中音這個區塊的聲音練好，導致聲音一直呈現「虛脫」、「氣聲 > 實聲」的缺陷，因此在這個音域中更重要的是練習如何使用不耗氣的方法，吹出密度集中的音質；
這個音域在長笛上相對是好吹的音域，也因此你才會忘了其實這個音域的聲音，是需要「打磨」的！
像鼓手一樣，練習不同的drum pattern
“音樂即生命，這是我們的心跳劇有節奏的原因”
– Cecily Morgan
在我的教學經驗，和實際進入專業音樂人的領域中演奏，發現「節拍」在21世紀的音樂裡，格.外.重.要！
為什麼我會這麼說？我觀察到了什麼？
我觀察到的是：
- 宅錄的進步：科技的進步帶動宅錄、宅修技術的成熟
- Beat Machine的普及：所有人都是音樂製作人，都在創作屬於自己的beats
- 數位音樂的流行：我們都在網路上看修音、修節拍修到「端正」的音樂
- 節奏音樂的吸睛度：潮流音樂逐漸朝純beats、hip-hop和rap靠攏，跟TikTok的合拍音樂和glitch潮流不無綿密的關係，先有beats再有後續的旋律和和聲，也造成該音樂得已大量傳播和對應各種形式的影像
- YouTuber、Podcast的發展：Youtuber和Podcaster做影片、做節目，就需要作為開頭和結尾的短音樂，和有現代時尚感的鋪陳音樂，跟節奏音樂的喜好和流行也有很大的關聯
還有無數個我無法一下編寫進來的具體原因，總之就是
“21世紀節拍的訓練，格.外.重.要！”
— 長笛玩家
我們也可以從另一個點下去思考為什麼要特別從一開始就訓練節拍這件事
無論你走的是
A) 純古典音樂（包含古典樂和當代樂）
B) 流行搖滾
C) 爵士音樂
D) 環境音樂
最後都得錄音錄影，為人生留下一個紀錄。你的節拍不穩，就會導致很多事情的不順暢，還有延長自己的工作時數，也延拓本來的行程。
多數音樂人和音樂團體，因為疫情的關係被迫隔海錄影，錄製這類型的音樂，為避免延遲的影響，「打開節拍器錄音」這件事就特別重要！
甚至有些國際大賽、音樂院入學考、畢業考，都採用線上錄製的模式遞件，節奏感不好的人就是第一批被刷掉的對象。
“音樂不存在於音符裡，而是在這之中的休止處”
— Mozart
我之前有製作過「如何製作線上合奏影片」的教學影片，有興趣大家也可以去看一下，我之後也會把文字檔都寫下來，直接讓你記住重點，省下大量反覆觀看影片的時間。
“The material of music is sound and silence. Integrating these is composing.”
— John Cage
失去了正確的節拍，首先失去律動；沒對到情緒的點（和聲），少了情感衝擊；即便是冥想音樂，少了在適當時機的鐘聲、鼓聲、靜默聲，音樂就全然失去傳達的動力了。
“音樂是時間的藝術 “
– Carol Libelt
對於旋律樂器來說，我們極少訓練我們的節奏感，對於大多數的人來說都會是一個很大的缺點，如果我們可以越早掌握各種節奏的「感覺」，我們就可以在演奏中「認知」到該節奏的樣子，本來很難的東西（尤其是看起來很難的節奏），就會變得很容易理解，
別忘了，樂譜只是紀錄音樂的工具，是你的耳朵，你的心，你的靈魂，在感受音樂，透過你的樂器演奏出來。
這裡推薦一本法國音樂院教授都會叫你練的本子
節奏練習 standard drum pattern for flute
以下也推薦一些基本的節拍練習，都很常出現在現今的樂曲當中，樂種的融合也是未來音樂型態的趨勢，所以必須早點掌握這些節奏的律動感，並能夠自然流暢的演奏出來
音準是「演奏得好不好」的認證
「音準」這個比喻有點抽象，但要你模仿台北捷運列車出發前的「嗶、嗶」聲，和廣播播放「下一站～台北車站」，從小孩到大人都可以瞬間模仿那個音高，和他們那樣的聲線說話的樣子。
這個，就叫「音準模仿」、「音調模仿」。
音準是魔法，普通民眾都能聽出其中細微的差異，也許無法明確知道是差在哪，但聽起來就是不一樣！就是好聽跟不好聽的差別！因此擁有好的「音準」，是每個有能力的演奏者都必備的能力，是每天工作都用得到的計算機，計算這個音准卡什麼和聲，計算那個音准卡在什麼音量上，需要做怎樣的平衡。
要你聽出鋼琴彈什麼音或救護車過去時呈現什麼音高，這一招叫做「絕對音准」；我們去KTV唱歌，男女對唱合唱的時候能唱得好，這就叫「和聲音准」、「和聲耳」、「和聲」。
總之，音準跟模仿能力有密不可分的關係，也是你的觀眾在聆聽你演奏時的判斷依據，即使他們並不明白究竟差在哪裡，但是「感覺」是通用的，音一不準，所有人都聽得出來你不夠好。
音準有很多種練習方法
音準訓練ㄧ：對調音器練習
我自己曾經對著調音器把每一顆音的音高位置、身體狀態、嘴唇形狀都記起來，藉此來產生對音準的準確率
音準訓練二：採譜
「採譜」對音樂的認知絕對是有很大的幫助，大部分都是學習爵士樂和流行樂的人比較會採取這個做法，不過我也非常推薦給學習古典樂的人，來練習採譜的技能。
將音高和節奏辨識出來，對於音準和節奏的感知能力，絕對是具有非常大的幫助，比如你聽到以下片段，是否能試著將曲目的結構辨識出來呢？
辨識完成了嗎？
以上的影像片段，是7/8拍，降G小調，有正常的音符，以及單純的氣聲音符，因此採譜會是下列的模樣：
吐音強調舌頭的力度
「吐音」往往是大家最練不起來的技巧之一，但卻又是台灣比賽最常被納入評分標準的條件之一。
吐音分為：單吐、雙吐、三吐
吐音最常見的問題是「聽不清楚」、「糊糊的」、「雜亂不平均」，也因此這就是練習吐音最重要的重點項目，讓吐音「聽清楚」、「顆粒分明」、「整齊又平均」。
進階的練習方式有非常多，你可以詢問你的專業老師怎麼練吐音，而我自己在授課長笛初學階段，就會讓學生接觸大量循序漸進的吐音練習，避免壞習慣，也早早打下穩定的基礎。
在這裡我推薦幾本非常有效的吐音練習本，供大家參考：
- Arban: Complete Conservatory Method of Trumpet
這本雖然是小號的練習本，但我自己實際練過之後才發現，靠Ｘ，我怎麼沒有早點發現它！然後我的吐音就進步神速，千金難買早知道啊！ - Bernold: La Technique d’Embouchure
這本在台灣可能不是那麼的好買，但也是我練過覺得最有效的本子之一，
抖音要漂亮有變化，才好聽
你喜歡的歌手一定具有獨特的唱腔和抖音，尤其是那迷人的抖音，像林俊傑、陳奕迅、林志炫；而劉德華的抖音雖然偏老派，但還是讓人印象深刻，並擄獲廣大群眾的心。
有時候我們並不需要抖音來呈現情感，但具有控制力的抖音，是音樂具有張力和爆發力的第一階段。
先學如何抖音，再學平穩的直音。
直白的話來翻譯，就是學會如何用有情感的聲線唱歌後，再來學習如何深沉、深刻又不乏爆發力的歌唱。
音樂的呈現不要想得太抽象，具體一點的在練習時控制每一個細節，然後在演出或錄音時，放掉學過的一切，是優秀的音樂人永恆不變的道理。
這裡分享我給學生練習的「初級抖音練習譜」，請用“呼”練習，不需點舌，只要非常單純的把氣呼出去，沒有任何的阻礙和限制，只要照顧好氣流出來的方向可以扎實的灌入吹口內即可。慢速開始，不急。讓全身心專注在不同節拍的抖音過程。
這份抖音的練習譜，你也可以拿來當作吐音、雙吐的練習譜例，方法都是一樣的，只不過加上吐音之後我們需要練習的就是「舌頭的力道」，要讓舌頭產生像「健身」一樣的效果，所以建議你可以先把舌尖點在雙唇中間，然後盡可能是視覺上可以看得見的地方，也就是說要先點在外面一點，才能有效的拉扯到你的舌頭肌肉，才有「健身」的效果。
練習譜例上不同的節奏型態，可以讓舌頭的肌肉擁有彈性，一旦肌肉可以被感知，你就能控制它的速度，妳的吐音要多快有多快，要重音有重音，要輕巧也可輕巧，雙吐、三吐無往不利。
漸強漸弱
我猜應該沒有很多人想過要練習漸強與漸弱這件事吧？尤其沒有注意到在曲目中，漸強與漸弱所佔的比例究竟有多高！
幾乎每一個小樂句就有一個漸強或漸弱也不為過，這是音樂術語（cres. and dim.）很重要的一環。
既然每幾個小節就會出現一次漸強或漸弱，軟體工程師肯定會想：那我們透過曲目大量的練習，肯定早就把這部分練習好了吧？再不然頭腦也會把那套程式碼自動背起來啊！
說得沒錯，理論上應該會是這樣。但很可惜，音樂的練習既是理性又非常的感性，光靠感性是沒辦法「認知」到我們正在做的行為當下的心理狀態是 “in progress” or “loading”的，所以我們必須特別拆開來練。
「漸強與漸弱」尤其展現在需要「氣息支撐力」的樂段裡，更是直接的展示在句尾和開頭「長音」的穩定度。
如果支撐力不足，在高音就會常掉下來、聲音虛沒有穿透力、音準撐不上去，是個至關重要的練習關卡。的樂段裡，更是直接的展示在「長音」的穩定度，如果支撐力不足，在高音就會常掉下來、聲音虛沒有穿透力、音準撐不上去，是個至關重要的練習關卡。
結論就是，要正確的練習漸強與漸弱，就要好好的練習「氣息支撐力」這件事。說得很抽象，到底它怎麼練呢？先讓大家看看我給學生做的譜例：
從上方的譜例，敏銳的人應該就可以了解，我們盡可能深吸一口氣後，用最自然的方式一點一滴的把氣洩出去，並且慢慢的漸強直到一小節結束為止；然後再深深的吸一口氣，從最大的氣息一點一滴的放鬆到最自然的無聲狀態。
我在這邊不會深入探討怎麼做，你可以自行揣摩，或是拿著譜例去詢問你自己的專業老師，或是也可以 私訊我 你先看著譜吹一次給我聽你的理解，然後由我為你解答。
快練認知整曲，慢練修正細節
慢速練習，應該是所有音樂學習者公有的認知。
把某一個段落刻意地放慢速度練習，可以修正不熟段落的細節，把模糊不清或特別需要將所有細節展現出來的片段，用清晰的口吻清晰地傳達給觀眾聽見。
慢練是必要的，然而在開始慢練之前，我會更強調快練的好處：快速練習，可以讓你先對曲子有完整的建構，認識整體，有效率的認知每一個樂段，省下大量重複練習不必要片段的時間，加速整體樂曲的展現。
Tips: 我會先以整首曲子的原速度走過一遍，高速的辨認困難點，如果有些地方我會突然降速、手指卡關、氣不順，我就會馬上圈起來，然後先不管它，繼續往下走完。全取走完後再回來審視一下剛剛覺得困難的地方，稍微練習一下，覺得順了就往下一個關卡前進。
你當然也可以採取以“頁”為單位的快練，然後重複以上的過程，讓每一頁都有一定程度的完整性。
至於要怎麼標記，可以參考下一個章節「標記困難區塊」。
標記困難區塊
標記完困難的地方後，我每一次打開譜，就會知道我該從哪一個區塊開始練習，如果確定已經練成不須再重複練習，就把標記擦掉，除了可以幫助自己建立儀式感，也可以明確的產生「練習進度」加速練習的效率。
節奏標記
相信有吹過樂團，和室內樂的人應該都很熟悉這樣的標記，是為了幫助自己在計算節拍的時候，能第一時間用視覺把節拍看清楚，以加速樂團和室內樂練習的過程。
這個方法也非常適用在solo曲目的練習中，不過要注意的重點是，我發現有很多人會把節拍標記蓋住音符的音，或者沒有畫在正確的拍點上，而是歪歪斜斜的畫在模擬兩可的地方，這樣其實對視覺是一種干擾，所以我會建議大家把「節奏標記」畫在「正確的拍點上」和儘可能是視覺能清楚看見而不會互相干擾的地方。
錄音是魔鬼
錄音是全世界最嚴苛的老師，而聽自己的錄音，你的耳朵就是全世界最嚴厲的評審。
你可以從錄音播放出來的那一刻聽見自己所有被放大的缺點，而這些被放大的缺點通通都會被你的耳朵所接收，所以你會討厭聽自己的錄音、聽自己的聲音，會產生一種羞愧感，你會很想趕快逃離那個地方。
請把這些當成非常重要的指標，一旦你學會接受這樣的自己，你完善每一個缺點的目標就是近在咫尺而已了。
你可以在1小時的練習時間內，完成以下流程：
快速練習 → 錄音 → 聆聽片段 → 改進缺點 → 錄音 → 完善目標 → 錄音 → 滿意/不滿意 → 重複過程
總結
最後總結一下，提高練琴效率的高效練習法，可以歸納為以下10點：
- 掌握三個音域的音色
- 像鼓手一樣，練習不同的drum pattern
- 音準是「演奏得好不好」的認證
- 吐音強調舌頭的力度
- 抖音要漂亮有變化，才好聽
- 漸強漸弱
- 快練認知整曲，慢練修正細節
- 標記錯誤
- 節奏標記
- 錄音是魔鬼
初級長笛教材推薦清單
以下是我整理出來的「初級長笛教材推薦」清單，提供給大家參考，建議存在我的最愛，日後我也會不斷更新內容推薦清單的所有內容，讓你在學習長笛的路上有跡可循，並能永續跟隨一套嚴謹規劃的長笛教學系統，並輕鬆學習～
